Publicité L'art incarne la prospérité. Il est donc idéal pour séduire les consommateurs.
Bettina Richter a choisi les citations artistiques de la collection d'affiches du Museum für Gestaltung de Zurich pour une exposition à la Banque nationale suisse. Elle s'est entretenue avec Werbewoche sur l'effet de déjà-vu de tels motifs publicitaires.
Les motifs de WW Warhol pour décorer les vitrines d'une chaîne de mode ou son style pour une publicité automobile - dans la publicité, les citations d'art ont toujours eu le vent en poupe. En tant qu'historienne de l'art, quand l'emprunt à l'art a-t-il un sens pour vous, quand a-t-il un effet de racolage ?
Bettina Richter La publicité doit être un peu racoleuse, elle doit en fin de compte appâter et confirmer les consommateurs. Les citations artistiques dans la publicité ne sont guère fondées sur l'amateurisme, mais uniquement sur l'intérêt commercial de l'annonceur. Une citation artistique est à mon avis réussie lorsqu'elle comporte plusieurs couches et qu'elle travaille avec des souvenirs intégrés de certaines images et de certains codes. Si la citation est trop superficielle, elle devient plate et perd de son impact.
Où peut-on tracer la limite de la banalité ? On ne peut en juger que sur une affiche concrète. En principe, on peut dire que plus les images sont utilisées - statistiquement, la "Joconde" et le "David" en font partie - plus les exigences imposées à l'annonceur pour compenser les signes d'usure par une idée innovante sont élevées.
Les œuvres d'art qui font partie du patrimoine culturel général jouissent d'une grande valeur de reconnaissance et attirent plus rapidement l'attention sur elles. Si les créateurs ne se servent pas de ces
des images pour faire oublier leur propre manque d'idées ?
Aujourd'hui, de nombreux publicitaires utilisent habilement ces images usées. Ils utilisent consciemment et de manière ciblée l'effet de déjà-vu, qui ne fonctionne que lorsqu'une image est profondément ancrée dans notre subconscient. Le plus probable est que quelque chose se passe chez le spectateur lorsqu'il découvre un changement dans l'image habituelle.
Le fait qu'une œuvre d'art soit souvent citée sert-il l'œuvre d'art et sa reconnaissance publique ? Le fait que les citations artistiques dans la publicité servent l'œuvre d'art ou lui nuisent plutôt dépend fortement de la conception de l'art que chacun en a. Pour les uns, habiller David avec des jeans est une manière raffinée d'attirer l'attention, car son rôle biblique et donc des valeurs telles que la beauté et la force spirituelle résonnent inconsciemment et rayonnent sur la marque de jeans. Pour ceux qui considèrent l'art comme quelque chose d'auratique, de détaché du quotidien, un David en jeans frise le blasphème. A l'inverse, les œuvres d'art dans la publicité passeraient presque inaperçues si elles n'étaient pas détournées, mais simplement citées une à une.
Dans les années 90, Otto Kern a fait une publicité scandaleuse pour ses jeans. L'affiche remettait en scène la "Cène de Jésus" de Léonard de Vinci à des fins de marketing, Jésus n'étant vêtu que de jeans et les douze disciples étant remplacés par des femmes qui ne portaient elles aussi que des jeans. Peut-on dire que la publicité peut aussi détruire l'art ?
Le désenchantement des œuvres d'art dépend également beaucoup de la conception de l'art, de la valeur et de la vision du monde du récepteur. Malgré notre conception élargie de l'art et l'imbrication du grand art et de la culture quotidienne, l'art incarne toujours pour la masse le tableau noir classique du musée et son aura. Il est compréhensible que pour un tel public, l'image de Léonard de Vinci soit déformée par cette utilisation dans la publicité.
Pour d'autres personnes, comme pour moi personnellement, l'art est à chaque époque le reflet du quotidien de l'époque et lié à la vie, et ne peut donc pas être démystifié par une telle image. Les publicitaires doivent toutefois faire preuve d'une certaine sensibilité lorsqu'ils utilisent des œuvres chargées de symboles. Il s'agit d'un exercice d'équilibre permanent et difficile entre la captation de l'attention spécifique au média et la provocation ciblée dépassant les limites. La question de la prise en compte de certaines sensibilités religieuses, éthiques ou culturelles s'est posée de manière similaire pour les fameuses affiches Benetton.
De nombreux artistes contemporains n'ont pas peur de la publicité et du commerce et pensent même pouvoir utiliser ce système à leurs propres fins. Quelle est leur crédibilité et celle de leurs œuvres avec cette attitude "non critique" ?
C'est une question complexe à laquelle il n'est pas possible de répondre de manière générale, car tant d'aspects se rejoignent ici. C'est simplement un fait que le décloisonnement entre l'art et la culture quotidienne a eu lieu. D'une part, cela a des composantes très positives. D'autre part, il comporte aussi de grands dangers, à savoir la diminution de la stabilité de la valeur et la commercialisation et la récupération des artistes, même critiques.
Les marques qui se présentent à un public critique par le biais d'une publicité artistique ne se rendent-elles pas vulnérables ?
Si l'on cite une publicité dans le cadre d'une campagne publicitaire - effet de déjà-vu -, on se rend tout au plus attaquable si la citation va, comme nous l'avons dit, jusqu'au blasphème ou si les limites de la moralité sont dépassées. Il arrive toutefois que l'annonceur et l'agence de publicité cherchent à provoquer un scandale - mais il y a alors souvent un intérêt commercial très dur derrière ...
... ce qui s'use ensuite rapidement. Bien sûr. La publicité et l'art se ressemblent de plus en plus dans l'effet de choc rapide et l'apparence agressive, qui s'éteignent souvent tout aussi rapidement.
Depuis les années 90, l'art contemporain fait partie de la stratégie d'identité d'entreprise, en particulier pour les groupes de produits de luxe, selon la devise "l'accumulation de capital culturel sert à consolider la position hiérarchique sur le marché". Cela ne conduit-il pas également à une inflation et à une usure de l'art ?
J'en suis convaincu. Mais c'est un phénomène de notre époque, une tendance que l'on ne peut plus arrêter. De très nombreux artistes, sans vouloir généraliser, se vendent eux-mêmes comme un produit de marque.
L'image traditionnelle de l'artiste de génie, travaillant isolé dans son atelier et dont le nom s'inscrit dans la postérité, appartient au passé, mais reste un cliché auquel beaucoup sont encore attachés. L'art lui-même devient de plus en plus commercial et est traité comme un produit publicitaire. Nous vivons à une époque de surenchère sensorielle - et pas seulement visuelle -, ce qui conduit inévitablement à des sollicitations excessives et à des phénomènes d'usure.
Si l'impression de déjà-vu est réservée aux œuvres d'art classiques et que l'art moderne reste difficile d'accès, quelles chances donnez-vous aux œuvres contemporaines d'être citées à l'avenir dans la publicité ? Aujourd'hui, comme je l'ai dit, nous vivons probablement moins à l'époque des artistes de génie. C'est pourquoi moins de noms et d'images concrets sont ancrés dans la conscience générale. Il peut y avoir quelques exceptions, par exemple un Georg Baselitz, auquel tout le monde pense rapidement à des images de tête en bas.
Mais ensuite, son œuvre se limite à cette seule phase, et tout ce qu'il a fait par la suite est effacé de la conscience publique. Lorsque la publicité s'inspire de l'art contemporain, il s'agit moins de citer directement certaines œuvres que d'adopter certains codes, certains langages visuels et certaines attitudes. Mais cela se produit de plus en plus rapidement aujourd'hui - là encore, il s'agit d'un phénomène de dissociation entre le grand art et la culture quotidienne, avec toutes ses conséquences complexes, positives et négatives.
Michael EngelmannDans le cadre d'une production commune avec la Kunstbibliothek, Staatliche Museen zu Berlin et Lars Müller Publishers, le Museum für Gestaltung de Zurich consacre sa prochaine exposition au designer graphique allemand Michael Engelmann (1928 à 1966). Avec sa photographie sans fioritures, ses couleurs vives et ses textes laconiques, il a créé dans les années 1950 une nouvelle forme de communication.
un langage de signes dense dans une typographie objective, qui tentait de chasser la vantardise paillarde de la publicité allemande.
Dans la nouvelle orientation esthétique entre le fonctionnalisme et le pop, Engelmann a montré la voie avec ses travaux pour Roth-Händle, Pirellio ou Renault. (la)
Du 9 novembre 2004 au 25 février 2005 dans la salle d'affichage, Limmatstrasse 55, du mardi au vendredi, de 13 à 17 heures.
Attrape-regard ou blasphème ? La question de savoir si des classiques de l'art comme "David" et "Mona Lisa" peuvent être détournés en tant que sujets publicitaires est controversée.
Van Gogh et Warhol : la publicité avec des sujets artistiques est un exercice d'équilibre entre la recherche d'attention et la provocation.
Typiquement Michael Engelmann.
Entretien : Luca Aloisi