«Il cinema è come la Champions League»

m&k: Ritiene che il modo in cui raccontiamo le storie oggi sia cambiato radicalmente, oppure, in fondo, raccontiamo ancora le stesse storie umane di sempre?

Simon Verhoeven Credo che, in fondo, stiamo ancora cercando le stesse storie. Le stesse esperienze umane, gli stessi sentimenti, gli stessi conflitti. Questo non è cambiato. Ma siamo condizionati in modo diverso. È proprio così. I miei figli, ad esempio, hanno aspettative completamente diverse riguardo alla gestione del tempo nelle storie. Quanto velocemente deve iniziare qualcosa. Quanto velocemente deve prendere piede. Il cinema offre oggi una situazione quasi insolita: quella di lasciarsi coinvolgere consapevolmente in qualcosa di più lungo. Siamo abituati a che tutto venga raccontato molto velocemente. Nella pubblicità – che ho fatto a lungo – esiste questa disciplina dello storytelling estremamente veloce. E la considero anch’io una forma d’arte. Non sono affatto contrario. Ma spero – e lo osservo anche – che proprio tra i giovani ci sia un desiderio di narrazioni più lunghe e profonde. Anche tra i quindicenni e i ventenni. Anche se non lo cercano attivamente: quando lo vivono, spesso si lasciano coinvolgere in modo molto intenso. Probabilmente questo desiderio non è cambiato affatto. Ma oggi il potenziale di distrazione è enorme. Un fuoco continuo di social media, pubblicità, short video, intrattenimento – tutto a livello di fast food. Ed è proprio per questo che è ancora più gratificante quando ci si lascia coinvolgere davvero.

Proviene da una famiglia di attori e registi. Sua madre è l’attrice Senta Berger, suo padre il regista Michael Verhoeven. Raccontare storie è sempre stato per lei qualcosa di naturale?

Certo, è importante. Ma credo di non essere poi così diverso da molti bambini. Sono cresciuto con le favole della buonanotte. Mia madre mi leggeva o mi raccontava delle storie – e spesso ero io a dirle in anticipo cosa doveva succedere: una principessa, un cavaliere, un vulcano. Oggi mio figlio piccolo fa esattamente lo stesso. Mi fa una lista di richieste e io devo improvvisare. La domenica andavamo al cinema – mentre altri magari andavano in chiesa. Mio padre ed io ci sedevamo al cinema, e poi a casa ricreavo le scene dei film, costruivo scenografie e recitavo davanti ai nonni. Sono stato molto incoraggiato a dare libero sfogo alla mia fantasia. Non era un hobby, era una parte naturale e importante della vita quotidiana. Io e mio padre disegnavamo molto – anche questo è storytelling. Volevo disegnare fumetti, già a sei anni. La differenza decisiva è forse l’incoraggiamento. Il fatto che i genitori dicano: «Quello che stai facendo è importante».

Come si fa a trovare il proprio stile personale, proprio con queste origini?

Non si può inventare artificialmente la propria voce. La si scopre. Sono cresciuto con influenze completamente diverse da quelle dei miei genitori: il cinema americano degli anni Ottanta, le serie TV, i film per bambini. I miei genitori, invece, mi hanno fatto vedere i film di Billy Wilder. E a volte mi stupisco di quanto il mio umorismo sia simile a quello di mio padre. Ma mio padre era un regista molto impegnato politicamente, segnato dal dopoguerra tedesco. Sono cresciuta in modo più spensierato, non ho dovuto elaborare quel trauma. All’accademia di cinema pensavo sempre di essere una regista d’autore. E poi la gente rideva dei miei dialoghi – molto più di quanto mi aspettassi. È stato allora che ho capito: «Ah, forse questa è la mia voce». Imparare a padroneggiare quell’equilibrio tra umorismo ed emozione – tra commedia e dramma –, quella tonalità, mi ha richiesto anni. Oggi mi sento più sicura in questo. Ma è stato un lungo percorso. E non è ancora finito.

Com’è lavorare con la propria madre – ad esempio nel suo ultimo film «Questo vuoto, ah, questo terribile vuoto»?

Incredibilmente semplice. Sul set è la mia protagonista. Riesco a separare le due cose – quasi in modo schizofrenico. Questi ruoli ci aiutano. Lei si fida di me come regista, altrimenti non avrebbe accettato di girare il film. Ed entrambi avevamo grande fiducia nella mia sceneggiatura. Naturalmente sul set le si dice comunque «mamma» – questo fa sorridere. Ma poi diventa subito una cosa naturale. Il lavoro è stato meraviglioso. Talmente meraviglioso che ho dovuto stare attento a non lasciarmi prendere dall’entusiasmo troppo in fretta. Rimanere lucido. Il tempismo nella commedia non nasce solo dalla recitazione, ma soprattutto dal montaggio. Il mio compito è quindi quello di creare questo spazio familiare ed estremamente vivace – e allo stesso tempo mantenere un ordine assoluto, in vista del montaggio successivo. Quando si lavora con grandi attrici come mia madre, si rimane sempre sorpresi dalla loro bravura. Si osserva come i testi prendono vita e spesso si pensa: «Wow. È ancora meglio di quanto avessi immaginato».

La perdita di suo padre ha cambiato il suo modo di raccontare?

Certo. Non consapevolmente. Ma quando si vede il padre che viene portato fuori di casa nella bara, mentre la madre rimane indietro… questo ti cambia. Quei momenti, il funerale, l’addio… Ti segnano profondamente. Mi hanno reso più vulnerabile. Più aperto. Tutto è scivolato di un piano più in basso. Si comprende ancora di più la fragilità della vita. E anche la simultaneità: si dice addio ai propri genitori – e nella stessa settimana si gioca con i propri figli. Questo ciclo diventa molto concreto.

Cosa vorreste spiegare ai vostri figli riguardo al vostro lavoro?

Mio figlio maggiore ha 15 anni e sta davvero pensando di entrare nel mondo del cinema. Sta già valutando se usare un nome diverso da Verhoeven. (ride) – lo so bene, perché mi è successo. Lo incoraggerei sempre. Nonostante tutta l’incertezza di questi tempi, credo che l’essenza della narrazione rimanga. E non verrà sostituita da una macchina – forse supportata, ma non sostituita. Il problema più grande è piuttosto la gestione del tempo. Ricordo che anche i miei genitori lavoravano durante le vacanze. Mio padre stava seduto alla scrivania, mia madre leggeva copioni. In un certo senso, l’ufficio è sempre presente. Per me è una sfida. Allo stesso tempo, però, c’è anche una libertà non convenzionale. Quando gli altri genitori lavorano, a volte io ho tempo libero e vorrei fare qualcosa. Solo che poi nessuno ha tempo per me, sono tutti impegnati a scuola e al lavoro (ride). Ma in linea di massima cerco di essere davvero presente durante le vacanze. È importante.

Come si fa oggi a raggiungere le persone, in un’epoca in cui lo scorrimento è continuo?

Si può provare a essere il più rumoroso. Ma credo che siano proprio quelli a passare in secondo piano. Non ha nulla a che vedere con il volume. Ha a che vedere con un’idea. Con un gancio narrativo. E con la profondità. Quando le persone hanno la sensazione di vedere qualcosa di vero, di autentico, allora quello spicca. Oggi molte cose sembrano intercambiabili, come se fossero generate dall’intelligenza artificiale. Il fattore umano diventa quindi ancora più importante. L’autenticità.

Quando scrive, pensa già al marketing?

Sì, un po’. Spesso penso prima di tutto al manifesto. Oppure al titolo. Questo mi aiuta ad avere in mente un obiettivo vago. A volte, mentre scrivo, mi rendo conto: «Questo è un momento da teaser». Ma in linea di massima, durante le riprese e il montaggio ha inizio un processo completamente nuovo.

Uno spot pubblicitario dura dai 30 ai 100 secondi, contro le due ore di un film al cinema: uno sprint contro una maratona?

Ci sono sorprendentemente molti punti in comune. Anche 30 secondi hanno un primo atto, una parte centrale e un culmine. La struttura rimane la stessa. Una regola fondamentale è: entrare il più tardi possibile, uscire il più presto possibile. Abbi fiducia nel pubblico. La pubblicità spesso spiega troppo. Sono sempre favorevole a dare maggiore risalto alla storia piuttosto che al branding.

Cosa può fare il cinema che lo streaming non può fare?

Il cinema è come la Champions League. La concentrazione. L’atmosfera quasi da funzione religiosa. Persone sconosciute sedute insieme al buio: è qualcosa di arcaico. Quasi come un tempo attorno al fuoco. Il teatro e il cinema sono le discipline regine.

Cosa vorrebbe suscitare nel pubblico con i suoi film?

Non penso innanzitutto a ciò che voglio suscitare. Scrivo qualcosa che suscita qualcosa in me. Altrimenti diventerebbero film di messaggio. Voglio raccontare storie che mi coinvolgano davvero. E spero che questo coinvolgimento si trasmetta anche al pubblico. Ho imparato ad apprezzare profondamente la vita. Ad amarla. I miei film cercano di celebrare la vita, senza banalizzarla.

I suoi film sono spesso molto divertenti. Come si fa a mettere in scena l’umorismo senza che risulti banale?

Devo trovarlo divertente io stesso. A volte rido mentre scrivo. Ma elimino molto se sembra forzato. Le battute fine a se stesse per me non funzionano. L’umorismo nasce dalla storia. Dai personaggi. E lo verifico fino all’ultimo, sul set. Se qualcosa non funziona durante le riprese, non funzionerà nemmeno nel film. Per questo bisogna sviluppare una certa sensibilità. A volte basta cambiare solo piccole sfumature. Parole. Ritmo.

Lei stesso è un attore di formazione. Questo fa la differenza?

Credo di sì. Mi sono spesso sentito a disagio davanti alla telecamera. Abbandonato a me stesso. Questo mi ha segnato. Come regista cerco di creare uno spazio sicuro. La fiducia è tutto. Ma con una struttura e senza caos: una guida chiara è molto importante. Gli attori e le attrici devono rendersi conto che ho tutto sotto controllo, così possono fidarsi di me. Molte grandi star hanno enormi insicurezze. Soprattutto all’inizio. Il mio compito è quello di stabilire un legame sincero fin dal primo giorno. «Let’s be real».

E quando il film «nasce», come si vive quel momento?

Prima della prima sono nervoso. Ma la proiezione di prova… quello è il momento della verità. 500 persone, io lì in mezzo, in incognito in sala. Se non funziona, te ne accorgi subito. Ed è un bene. Il mio primo film, «100 Pro», è stato un fiasco. Avevo 28 anni. L’equilibrio non era giusto. Il film non era abbastanza coerente, nonostante avesse sequenze molto avvincenti e originali. Dopo di che non ho girato nessun film per sette anni. È stata dura. Ma istruttiva.

Se dovesse riassumerlo in una sola frase: come si devono raccontare le storie oggi?

Sinceramente. Con profondità. Con fiducia nel pubblico. E con amore per la vita.

E cosa vorrebbe che provassero le persone quando escono dalla sala cinematografica?

Che si sentano un po’ più vivi di prima. Un po’ più aperti. Più in sintonia con se stessi e con gli altri. E che si rendano conto che le storie hanno una profondità che va ben oltre lo scorrimento dello schermo.

«Mi sono spesso sentito a disagio davanti alla telecamera. Mi sentivo solo. Come regista, cerco di creare uno spazio sicuro.»

«Ho notato che, soprattutto tra i giovani, c’è un desiderio di storie più lunghe e profonde.»

Vita e opera

Simon Verhoeven proviene da una famiglia di attori e registi. È figlio dell’attrice Senta Berger e del regista Michael Verhoeven, nipote dell’attrice Lis Verhoeven e pronipote di Paul Verhoeven, ex regista e direttore artistico del Deutsches Theater di Berlino e dei Münchner Kammerspiele. Tra i film di Simon Verhoeven figurano *Männerherzen* (20109), *Willkommen bei den Hartmanns* (2016), *Nightlife* (2020), *Alter weisser Mann* (2024) e, attualmente, *Ach, diese Lücke, diese entsetzliche Lücke* (2026).

«La concentrazione. L’atmosfera quasi da funzione religiosa. Gli sconosciuti

Delle persone sono sedute insieme al buio –

»È arcaico.»