« Le cinéma, c'est la Ligue des champions »

m&k Pensez-vous que la manière dont nous racontons les histoires aujourd'hui ait radicalement changé – ou racontons-nous, au fond, toujours les mêmes histoires humaines qu'autrefois ?

Simon Verhoeven : Je pense qu’au fond, nous recherchons toujours les mêmes histoires. Les mêmes expériences humaines, les mêmes sentiments, les mêmes conflits. Cela n’a pas changé. Mais nous sommes conditionnés différemment. C’est un fait. Mes enfants, par exemple, ont des attentes complètement différentes en matière de rythme dans les histoires. À quelle vitesse quelque chose doit commencer. À quelle vitesse l’intrigue doit s’ancrer. Le cinéma offre aujourd’hui une situation presque inhabituelle : celle de s’engager consciemment dans quelque chose de plus long. Nous sommes habitués à ce que tout soit raconté très vite. Dans la publicité – que j’ai d’ailleurs longtemps pratiquée –, il existe cette discipline du récit extrêmement rapide. Et je considère cela aussi comme une forme d’art. Je n’y suis pas du tout opposé. Mais j’espère – et je le constate d’ailleurs – qu’il existe, surtout chez les jeunes, une soif de récits plus longs et plus profonds. Même chez les 15-20 ans. Même s’ils ne la recherchent pas activement : lorsqu’ils y sont confrontés, ils s’y investissent souvent de manière très intense. Cette envie n’a probablement pas changé du tout. Mais aujourd’hui, les sources de distraction sont innombrables. Un déluge incessant de réseaux sociaux, de publicités, de courtes vidéos, de divertissements – à la manière du fast-food. Et c’est précisément pour cela que c’est d’autant plus gratifiant quand on s’y plonge vraiment.

Vous êtes issue d'une famille de théâtre et de cinéma. Votre mère est l'actrice Senta Berger, votre père le réalisateur Michael Verhoeven. Raconter des histoires a-t-il toujours été une évidence pour vous ?

C'est bien sûr important. Mais je crois que, sur ce point, je ne suis pas si différent de beaucoup d'enfants. J'ai grandi avec des histoires avant de m'endormir. Ma mère me faisait la lecture ou me racontait des histoires – et souvent, je lui disais à l'avance tout ce qui devait s'y passer : une princesse, un chevalier, un volcan. Mon petit garçon fait exactement la même chose aujourd’hui. Il me passe une liste de souhaits et je dois improviser. Le dimanche, on allait au cinéma – alors que d’autres allaient peut-être à l’église. Mon père et moi étions assis au cinéma, et après, je rejouais les films à la maison, je construisais des décors, je faisais des représentations pour mes grands-parents. On m’encourageait beaucoup à laisser libre cours à mon imagination. Ce n’était pas un loisir, c’était une partie naturelle et importante du quotidien. Mon père et moi dessinions beaucoup – cela aussi, c’est de la narration. Je voulais dessiner des bandes dessinées, dès l’âge de six ans. La différence décisive, c’est peut-être l’encouragement. Le fait que les parents disent : « Ce que tu fais là, c’est important. ».

Comment trouver sa propre voix – surtout avec ce parcours ?

On ne peut pas inventer sa voix artificiellement. On la découvre. J’ai grandi avec des influences très différentes de celles de mes parents : le cinéma américain des années 80, les séries, les films pour enfants. Mes parents, eux, m’ont fait découvrir les films de Billy Wilder. Et parfois, je m’étonne de voir à quel point mon humour est proche de celui de mon père. Mais mon père était un cinéaste très engagé, marqué par l’après-guerre en Allemagne. J’ai grandi dans un environnement plus serein, je n’avais pas ce traumatisme à surmonter. À l’école de cinéma, je me considérais toujours comme un réalisateur d’art et d’essai. Et puis, les gens ont ri de mes dialogues – bien plus que je ne m’y attendais. C’est là que je me suis dit : « Ah, c’est peut-être ça, ma voix. » Apprendre à maîtriser cet équilibre entre humour et émotion – entre comédie et drame –, cette tonalité, m’a pris des années. Aujourd’hui, je me sens plus à l’aise avec cela. Mais le chemin a été long. Et il n’est pas encore terminé.

Comment se passe le tournage avec sa propre mère – par exemple pour son dernier film « Ce vide, ah ce vide effroyable » ?

Étonnamment simple. Sur le plateau, c’est mon actrice principale. Je parviens à faire la distinction – c’est presque schizophrénique. Ces rôles nous aident. Elle me fait confiance en tant que réalisateur, sinon elle ne ferait pas le film. Et nous avions tous les deux une grande confiance en mon scénario. Bien sûr, on continue quand même à l’appeler « maman » sur le plateau – ça fait sourire. Mais très vite, ça devient tout naturel. Le travail a été merveilleux. Tellement merveilleux que j’ai dû faire attention à ne pas m’emballer trop vite. Rester lucide. Dans une comédie, le timing ne tient pas seulement du jeu d’acteur, mais surtout du montage. Mon rôle consiste donc à créer cet espace familial, extrêmement vivant – tout en maintenant un ordre absolu, en vue du montage ultérieur. Quand on travaille avec de grandes actrices comme ma mère, on est sans cesse surpris par leur talent. On les regarde donner vie aux répliques, et on se dit souvent : « Waouh. C’est encore bien mieux que ce que j’avais imaginé. ».

La perte de votre père a-t-elle changé votre façon de raconter les choses ?

Bien sûr. Pas consciemment. Mais quand on voit son père sortir de la maison dans son cercueil, quand on voit sa mère rester seule… ça nous change. Ces moments-là, les funérailles, les adieux… Ça nous marque. Ça m’a rendu plus vulnérable. Plus ouvert. Tout a glissé d’un étage plus bas. On comprend encore mieux la fragilité de la vie. Et aussi la simultanéité : on fait ses adieux à ses parents – et, la même semaine, on joue avec ses propres enfants. Ce cycle devient très concret.

Que souhaiteriez-vous expliquer à vos enfants au sujet de votre travail ?

Mon fils aîné a 15 ans et envisage sérieusement de se lancer dans le cinéma. Il se demande déjà s’il ne devrait pas utiliser un autre nom que Verhoeven. (rires) – je me reconnais bien là. Je l’encouragerais toujours. Malgré toutes les incertitudes de notre époque, je crois que l’essence même de la narration perdure. Et elle ne sera pas prise en charge par une machine – peut-être aidée, mais pas remplacée. Le plus gros problème, c’est plutôt la gestion du temps. Je me souviens que mes parents travaillaient aussi pendant les vacances. Mon père était assis à son bureau, ma mère lisait des scénarios. D’une certaine manière, le bureau est toujours présent. C’est un défi pour moi. En même temps, cela offre aussi une liberté hors des sentiers battus. Quand les autres parents travaillent, j’ai parfois du temps libre et j’ai envie de faire quelque chose. Mais personne n’a alors de temps à me consacrer, tout le monde est pris par l’école et le travail (rires). Mais en principe, j’essaie d’être vraiment présente pendant les vacances. C’est important.

Comment toucher les gens aujourd’hui, à l’ère du défilement incessant ?

On peut essayer d'être le plus bruyant. Mais je crois que ce sont justement ceux-là qui passent inaperçus. Cela n'a rien à voir avec le volume. Cela a à voir avec une idée. Avec un élément accrocheur. Et avec la profondeur. Lorsque les gens ont le sentiment de voir quelque chose de vrai, d'authentique, cela se démarque. Aujourd’hui, beaucoup de choses semblent interchangeables – comme générées par l’IA. Le facteur humain n’en devient que plus important. L’authenticité.

Pensez-vous déjà au marketing lorsque vous rédigez ?

Oui, un peu. Je pense souvent d'abord à l'affiche. Ou au titre. Ça m'aide à avoir un objectif vague en tête. Parfois, on se rend compte en écrivant : « C'est un moment qui va faire le buzz. » Mais en général, un tout nouveau processus commence au tournage et au montage.

Un spot publicitaire dure entre 30 et 100 secondes, contre deux heures pour un film de cinéma : un sprint contre un marathon ?

Il y a étonnamment beaucoup de points communs. Même 30 secondes comportent un premier acte, un développement et un dénouement. La structure reste la même. Une règle d’or : entrer le plus tard possible, sortir le plus tôt possible. Faire confiance au public. La publicité en dit souvent trop. Je plaide toujours pour que l’histoire prime sur l’image de marque.

Qu'est-ce que le cinéma peut offrir que le streaming ne peut pas ?

Le cinéma, c'est la Ligue des champions. La concentration. Cette ambiance qui s'apparente presque à un office religieux. Des inconnus assis ensemble dans le noir : c'est archaïque. Presque comme autrefois, autour d'un feu de camp. Le théâtre et le cinéma sont les disciplines reines.

Que souhaitez-vous susciter chez le public avec vos films ?

Je ne pense pas d'abord à ce que je veux susciter. J'écris quelque chose qui me touche profondément. Sinon, ça devient des films à message. Je veux raconter des histoires qui me touchent vraiment. Et j’espère que ça passe. On m’a transmis un grand respect pour la vie. Un amour de la vie. Mes films essaient de célébrer la vie – sans la tomber dans le kitsch.

Vos films sont souvent très drôles. Comment met-on en scène l'humour sans qu'il ne tombe dans la platitude ?

Je dois trouver ça drôle moi-même. Il m’arrive parfois de rire en écrivant. Mais je supprime beaucoup de passages quand ça fait forcé. Les gags pour le simple plaisir du gag ne fonctionnent pas pour moi. L’humour naît de l’histoire. Des personnages. Et je vérifie cela jusqu’au bout, sur le plateau. Si quelque chose ne fonctionne pas pendant le tournage, cela ne fonctionnera pas non plus dans le film. Pour cela, il faut développer une certaine intuition. Parfois, il suffit de modifier de petites nuances. Des mots. Le rythme.

Vous avez vous-même suivi une formation d'acteur. Est-ce que cela fait une différence ?

Je pense que oui. Je me suis souvent senti mal à l’aise devant la caméra. Abandonné à moi-même. Ça m’a marqué. En tant que réalisateur, j’essaie de créer un espace sécurisant. La confiance, c’est tout. Mais avec une structure et sans chaos – une direction claire est très importante. Les acteurs et actrices doivent sentir que tout est sous contrôle, qu’ils peuvent me faire confiance. Beaucoup de grandes stars ont d’énormes doutes. Surtout au début. Mon rôle est d’établir un lien sincère dès le premier jour. « Let’s be real ».

Et quand le film « voit le jour », que ressent-on à ce moment-là ?

Avant la première, je suis nerveux. Mais la projection test, c’est le moment de vérité. 500 personnes, moi au milieu, incognito dans la salle. Si ça ne marche pas, on s’en rend compte tout de suite. Et c’est tant mieux. Mon premier film, «100 Pro», a été un échec. J’avais 28 ans. L’équilibre n’était pas au rendez-vous. Le film manquait de cohérence, même s’il comportait des séquences très captivantes et originales. Je n’ai plus tourné de film pendant sept ans après ça. Ça a été dur. Mais instructif.

Si vous deviez le résumer en une phrase : comment faut-il raconter des histoires aujourd’hui ?

Authentique. Profond. Avec une confiance en son public. Et un amour de la vie.

Et que souhaiteriez-vous que les spectateurs ressentent en sortant de la salle de cinéma ?

Qu'ils se sentent un peu plus vivants qu'avant. Un peu plus ouverts. Plus en phase avec eux-mêmes et avec les autres. Et qu'ils se rendent compte que les histoires ont plus de profondeur que n'importe quel défilement.

« Je me suis souvent senti mal à l'aise devant la caméra. Seul. En tant que réalisateur, j'essaie de créer un espace sécurisant. »

« Je constate que les jeunes, en particulier, aspirent à des récits plus longs et plus profonds. »

Vie et œuvre

Simon Verhoeven est issu d'une famille de professionnels du théâtre et du cinéma. Il est le fils de l'actrice Senta Berger et du réalisateur Michael Verhoeven, le neveu de l'actrice Lis Verhoeven et le petit-fils de Paul Verhoeven, ancien metteur en scène et directeur artistique du Deutsches Theater de Berlin et des Kammerspiele de Munich. Parmi les films de Simon Verhoeven, on peut citer *Männerherzen* (20109), *Willkommen bei den Hartmanns* (2016), *Nightlife* (2020), *Alter weisser Mann* (2024) et, actuellement, *Ach, diese Lücke, diese entsetzliche Lücke* (2026).

« La concentration. L'ambiance qui s'apparente presque à celle d'un office religieux. Des inconnus

Des gens sont assis ensemble dans le noir –

» C'est archaïque. »